Знаменитые алебрихес — яркие фантазийные фигуры из бумаги или картона с проволочным или деревянным каркасом — стали визитной карточкой Мексики и считаются самыми известными и популярными произведениями народного искусства. Однако появились они всего сто лет назад и благодаря одному человеку — Педро Линаресу Лопесу.
- Источник:
Rocio Ramirez / OAXACA CULTURAL NAVIGATOR
Искусство картонажа и папье-маше в Мексику принесли испанские конкистадоры вместе с католичеством, религиозными фестивалями и обычаем создавать для последних фигуры различных персонажей. Самые известные — так называемые худас (от имени Иуды Искариота) — демоны, которых изготавливают и торжественно сжигают в Страстную неделю.
Педро Линарес был таким мастером картонажа из Мехико. Он родился в 1906 году в бедной семье, занимавшейся изготовлением традиционных масок, фигур для религиозных процессий и пиньят — огромных звезд, которые начиняли конфетами, сувенирами, конфетти, а во время праздника разбивали. До поры до времени его поделки ничем не отличались от тех, что создавали другие мастера. Все изменилось в 1936 году и случилось как в поговорке: не было бы счастья, да несчастье помогло.
Педро Линарес Лопес за работой
- Источник:
ilf jenninger
Как Линарес сам потом рассказывал, он тогда тяжело заболел. Лежа в лихорадке, в полуобморочном состоянии, тридцатилетний художник забылся болезненным сном. В нем Педро очутился в странном месте, в фантастическом лесу, который кишел удивительными существами. Был там и осел с крыльями бабочки, и петух с коровьими рогами, и лев с головой собаки. И все эти существа не переставая кричали странное и непонятное слово, не существующее ни в испанском, ни в местных языках: «Алебрихес! Алебрихес!»
Во сне Педро брел по вымощенной камнем дороге, пока не встретил человека, который указал ему, где находится выход из фантастического мира. И когда Линарес выбрался, то проснулся и почувствовал, что полностью выздоровел. Художник захотел, чтобы его близкие и знакомые тоже увидели этих невероятных существ из сна, и начал делать странных зверей из бумаги и картона, назвав их алебрихес (единственное число — алебрихе).
Птица-алебрихе работы Педро Линареса. Хранится в Детском музее в Индианаполисе, США
- Источник:
Pedro Linares / CHILDREN’S MUSEUM OF INDIANAPOLIS
На изготовление каждого алебрихе у Линареса уходило до двух недель и огромное количество бумаги, картона и клея. Сначала изготавливалась голова, затем шея, которая могла быть короткой, а могла — настолько длинной, что ей требовался каркас из проволоки.
Супруги-художники Диего Ривера и Фрида Кало позируют с одной из фигур-худас
- Источник:
CASA LUIS BARRAGÁN; FEDARO / CC BY-SA 4.0
После этого он делал тело самых необыкновенных форм, по образу и подобию монстров из своего сна. Затем мастер снабжал алебрихе плавниками, ушами, рогами, когтями и зубами. И, наконец, расписывал чудных монстров яркими красками, прорисовывая чешую, глаза и прочие детали. В заключение фигура покрывалась лаком.
Поначалу, как позже вспоминал Линарес, алебрихес продавались плохо, потому что казались людям слишком уж монструозными. Тогда он стал делать их более красочными. Оригинальные поделки оценил один галерист, а вслед за ним от алебрихес пришли в восторг самые знаменитые мексиканские художники середины XX века: супруги Диего Ривера и Фрида Кало. Они заказали Линаресу несколько алебрихес.
А после того, как о Линаресе и его удивительных созданиях в 1975 году сняла документальный фильм режиссер Джудит Боровски, его искусство прославилось по всему миру. После смерти мастера дело продолжили дети и внуки. Так личная фантазия Педро Линареса превратилась в традицию и ремесло, и даже больше.
С 2007 года Музей народного искусства при поддержке администрации Мехико организует Ночь алебрихе — парад гигантских фигур в стиле поделок Педро Линареса. Параллельно проходят конкурсы рассказов об этих существах и кукольных спектаклей, персонажи которых — алебрихес.
Теперь алебрихес, искусство изготовления которых ушло в народ, создает не только семья Линарес. В другом мексиканском городе, Оахаке, и его окрестностях с 1980-х годов возникла традиция, в которой фантастические существа Педро Линареса соединились с местным, уходящим в доиспанские времена промыслом по изготовлению фигур из древесины копаль.
Изделие ручной работы из древесины копаль. Каждая фигурка уникальна в своем роде и выполнена исключительно вручную
- Источник:
семейная мастерская Sosa, Сан-Мартин-Тилькахете, штат Оахака, Мексика
Некоторые оахакские мастера расширили понятие алебрихес, превратив их из просто причудливых химер в нагвалей, индейских духов — хранителей человека, изображавшихся в виде животных. Вера в нагвалей сохранилась до сих пор, и алебрихес с их фантазийным обликом вполне естественно встроились в эти представления.
С 2007 года в Мехико проводится фестиваль Ночь алебрихе
- Источник:
LEIGH THELMADATTER / CC BY-SA 3.0
Исайяс Хименес, сын и ученик Мануэля Хименеса Рамиреса, которого называют родоначальником «оахакской» версии алебрихес
- Источник:
JimArt1, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons
По стопам Калаверы Катрины
Случай с алебрихес и своеобразной «национализацией» авторского искусства и превращением его в «народное творчество» для Мексики не единичен. Точно так же ушел в народ и образ Калаверы Катрины — нарядно одетой девушки с черепом вместо головы, без которой теперь не обходится ни один мексиканский День мертвых.
Ее изображают повсюду, а женщины переодеваются и гримируются в этого персонажа. Вряд ли мексиканский художник Хосе Гуадалупе Посада предполагал, какая судьба ждет его творение, когда в 1913 году опубликовал гравюру со скелетом-модницей в причудливой дамской шляпке, подписав ее: «Калавера Катрина».
- Источник:
MUSEO JOSÉ GUADALUPE POSADA
Кстати, Катрина — это вовсе не имя, а женский род от слова catrín — «франт». Первоначально этот образ, созданный как сатира на богатых модников, был растиражирован, но потом довольно быстро забыт. Интерес к нему возродили франко-мексиканский художник Жан Шарло и гранд мексиканского искусства Диего Ривера, который в 1947 году изобразил Катрину на своей монументальной фреске «Сон о воскресном вечере в парке Аламеда».
Диего Ривера изобразил Калаверу Катрину на фреске «Сон о воскресном вечере в парке Аламеда», рядом с ней — себя в виде подростка и свою жену Фриду Кало
- Источник:
Diego Rivera
В результате Калавера Катрина стала символом Мексики и ее Дня мертвых. Секрет популярности и той легкости, с какой образ органично влился в местные традиции, еще и в том, что праздник объединил в себе католический День всех святых и отзвуки ацтекских мистерий в честь Миктлансуатль, богини смерти, изображавшейся в виде скелета или женщины с черепом вместо головы.
Национальное достояние: где еще авторский проект стал народным?
Россия — палехская лаковая миниатюра
В селе Палех еще в XVII веке сформировалась мощная иконописная школа. В царской России палехская икона, особенно миниатюрная, или мелочная, была очень популярна. Но после Октябрьской революции к власти пришли большевики, и иконы стали не нужны. Ситуацию спас мастер Иван Иванович Голиков, который в 1922 году создал серию миниатюрных росписей по папье-маше на светские сюжеты. Он стал основателем нового народного промысла — палехской лаковой миниатюры.
- Источник:
Ivan Ivanovich Golikov, Public domain, via Wikimedia Commons
С одной стороны, папье-маше издавна использовалось как основа для лаковой миниатюры в подмосковном селе Федоскине, где была давняя традиция таких росписей, поэтому мастерам из Палеха было у кого учиться. С другой — они смогли выработать свой неповторимый стиль, для которого характерны использование темперных красок — наследие иконописной традиции, некоторая условность изображений и сказочные либо светские (но все равно решенные в сказочном духе) сюжеты.
В 1924 году бывшие палехские иконописцы объединились в «Артель древней живописи». Громкое название спасло художников в момент ужесточения антирелигиозной борьбы. После участия в XIV Международной художественной выставке в Венеции палехская миниатюра прославилась и на Западе.
Вьетнам — аозай
Комплект из туники-аозай с разрезами по бокам и штанов большинство вьетнамцев сами считают своим традиционным народным костюмом. Однако история аозая не такая древняя, как может показаться. Считается, что этот костюм придумал в 1744 году правитель из династии Нгуенов Фук Хоат, заменив им традиционную вьетнамскую юбку. Исходно у аозай было четыре полы, а в начале XIX века появилась пятая.
- Источник:
kitzcorner / iStock
В ХХ веке аозай модернизировали дважды. В 1930-е годы под влиянием западной моды упростилась конструкция туники: осталось только две полы, исчезли пуговицы, и появилась застежка сбоку. В 1950-е в Сайгоне аозай приобрел современный узкий силуэт, а также возникла версия с рукавом реглан.
В Северном Вьетнаме аозай практически вышел из употребления, а вот в Южном наоборот был популярен благодаря Чан Ле Суан, супруге брата президента и де-факто первой леди страны с 1955 по 1963 год. После объединения Вьетнама в 1976-м аозай был забыт и получил второе рождение в 1990-е. Сейчас мужчины надевают его в особых случаях, например, на свадьбу, но для женщин это одежда и в пир, и в мир. Аозай используется как школьная форма и униформа для служащих.
Швеция — шведский национальный костюм
Не стоить путать национальный костюм с народным, который складывался на протяжении веков и практически вышел из употребления. Сейчас активно используется именно национальный костюм, в цветах флага. Даже сами шведы привыкли считать его народным, хотя он был придуман как символ единства не так давно — в 1903 году. Его создала Марта Йоргенсен, садовница из города Фалуна, на основе традиционных нарядов Швеции. Он состоял из синих юбки и корсажа, желтого передника, белых блузки и головного убора и черных чулок.
Кронпринцесса Виктория, принц Даниэль, принцесса Эстель и принц Швеции Оскар позировали для официальных портретов, чтобы поздравить всех с Национальным праздником
- Источник:
LINDA BROSTRÖM / KUNGLIGA HOVSTATERNA
Вместе с единомышленницами Йоргенсен организовала «Шведское женское объединение национального костюма». Его целью были снижение влияния иностранной моды и популяризация своей. Но с началом Первой мировой войны интерес к этой теме пошел на спад. Вновь шведы вернулись к идее национального костюма в 1970-е годы.
Королева Сильвия внесла некоторые изменения в ансамбль, придуманный Мартой, и появилась в нем 6 июня 1983 года, когда страна впервые отмечала учрежденный парламентом Национальный день Швеции. Сейчас шведы, включая членов королевской семьи, надевают наряды в цветах флага по праздникам. Мужской вариант: желтые бриджи, синий жилет и белая рубашка.
Материал опубликован в мае 2025
