Какой сегодня день?

Когда битломанам планеты следует поздравлять друг друга?

Некоторые считают, что сегодня. Поисковый запрос "День Битлз" честно выдает несколько результатов, согласно которым Всемирный день Битлз вот уже 12 лет отмечается 16 января. Именно в этот день-де в 1957 году был открыт ливерпульский клуб Cavern, где будущие кумиры миллионов оттачивали мастерство.

Несмотря на то, что учредителем праздника новостные порталы хором называют ЮНЕСКО, этот день явно не входит в число популярных на планете праздников. К примеру, сайт beatlesbible.com, один из лучших по теме, не вывесил новостей на эту тему. Нет упоминаний о таком празднике и в историческом разделе сайта.

То же касается и портала ЮНЕСКО, где нет ни слова о международном празднике, посвященном ливерпульской четверке. В англоязычной Википедии есть статья 16th January, но пока не нашлось человека, который бы внес в раздел Holidays and observances что-нибудь про Всемирный день Битлз. Зато, как выяснилось, сегодня день Могендовида.

В той же Википедии есть статья под названием Beatles day. В ней, как и следовало ожидать, ничего нет про 16 января, зато есть две другие даты: 10 июля и 27 февраля. 10 июля - день возвращения Битлз с американских гастролей в Ливерпуль и премьеры их первого фильма, а 27 февраля, судя по всему, дата слегка языческая и связана с наступлением весны, с которой прекрасно, по мнению устроителей, сочетается красивая музыка Битлз.

Из трех предложенных вариантов я бы выбрал 10 июля, но по-моему это и не обязательно - Битлз хороши eight days a week.

Поклонники Битлз 10 июля 1964 года. Они еще не знают, что это день Битлз.

Корова миссис О'Лири

Есть такой композитор – Брайан Уилсон. Пик его творческой активности пришелся всего на несколько лет в середине 1960-х годов, и тем не менее его влияние на современную поп-музыку сложно переоценить.

Прежде всего Уилсон известен, как основатель и главный композитор американской группы The Beach Boys. Бич Бойз – группа неоднозначная: с одной стороны, очень популярная, с другой – не очень воспринимаемая всерьез.

В начале карьеры (года с 1961-го примерно) эти ребята с побережья пели на несколько голосов (это их основная фишка) веселые песенки про сёрфинг, автомобили и девчонок. Начиная с 1970-х годов и практически до настоящего момента группа (а после распада – ее отдельные участники) существует в «ностальгическом режиме», производя на свет милую, старомодную, но не слишком хитовую музыку. Все их большие хиты были созданы в 1960-х.

Как я уже говорил, Бич Бойз – прежде всего певцы. Играли они довольно средне. Брайан Уилсон, бас-гитарист и один из главных вокалистов, в 1964-м году перестал гастролировать с группой (на его место взяли другого человека) и сконцентрировался на студийной работе (заметим, что толчком к этому шагу стал нервный срыв). Большое впечатление на Уилсона произвел метод работы продюсера Фила Спектора, изобретателя «стены звука». Метод подразумевал, кроме прочего, запись музыки силами не стандартного поп-квартета (или квинтета), а ансамбля из 10-20 музыкантов, в числе которых – несколько гитаристов, парочка басистов, несколько пианистов/органистов, барабанщик и перкуссионист, духовая и струнные секции. Музыканты играли живьем, затем мощный звуковой сигнал подавался в эхо-комнату и оттуда шел на пленку. Типичный пример стены звука, например, вот:

http://www.youtube.com/watch?v=MtrsyA0lwHU

В Лос-Анджелесе даже существовал коллектив «музыкантов по вызову», который обычно использовался на подобных сессиях звукозаписи – The Wrecking Crew.



Итак, Брайан Уилсон, отказавшись от гастролей, засел в студии и стал творить. От его коллег по группе требовалось только приехать на студию и спеть, что им скажут. В сочинительстве они в тот момент особого участия также не принимали: тексты писали приглашенные Брайаном поэты. Именно в этот момент, когда Бич Бойз стали всего лишь поющим орудием в руках своего лидера, и были созданы самые значимые вещи, выпущенные под названием The Beach Boys. Не самые хитовые, а именно самые значимые, оказавшие наибольшее влияние на музыкальный процесс и наиболее оцененные в музыкантском сообществе.

Прежде всего это – альбом Pet Sounds. Про него я распространяться не буду, он достоин не то что отдельного поста, но и отдельной книги. Скажу лишь, что это правда очень хороший альбом. Вотзамечательная первая песня с него, а вот выдержки из сессии звукозаписи, по которым можно составить представление о том, как проходила работа в студии:

http://www.youtube.com/watch?v=ofByti7A4uM

Следующим этапом стала многомесячная работа над синглом Good Vibrations. Здесь Брайан использовал другое ноу-хау: запись песни по фрагментам с разными наборами инструментов и последующий монтаж. Вот эта песня, и при желании можно услышать «склейки» между частями песни:

http://www.youtube.com/watch?v=4L4HSVOHrbU

На дворе 1966-й год, и у Брайана новый проект – альбом под рабочим названием SMiLE, «подростковая симфония для Бога», как он сам его описывал. В качестве автора текстов он приглашает поэта-авангардиста Ван Дайк Паркса. Они приступают к работе, и Брайан записывает с The Wrecking Crew множество отдельных музыкальных фрагментов. О том, как они должны между собой сочетаться, знает только он.

Музыка, которую он сочиняет в тот момент, не имеет ничего общего с ранними Бич Бойз – она сложно аранжирована, изобилует околоджазовыми гармониями, разнообразна и разнопланова.

Альбом должен был состоять из нескольких «сюит». Одна из них была посвящена стихиям («элементам») – огню, воде, воздуху и земле. «Земляная» песня, к примеру, называлась Vega-Tables и звучала примерно так (партию сельдерея исполнил Пол Маккартни, кстати):

http://www.youtube.com/watch?v=7IGW27jpsqY

Я сказал «примерно», потому что это одна из многих существующих версий песни. Она вышла в прошлом году на официальном бокс-сете The SMiLE Sessions, который подвел черту под огромным массивом пиратских «реконструкций» SMiLE – альбома, которому не суждено было увидеть свет.

В описываемый период Брайан Уилсон находился в не очень хорошем душевном состоянии. Причин тому было много, и среди главных – наркотики и неприятие группой нового материала. Его коллегам хотелось петь «понятные» песни про радости пляжной жизни, а вместо этого им предлагались абсурдные тексты про овощи и т. д.

Одним из переломных моментов, заставивших Брайана свернуть проект SMiLE, стала сессия записи песни про огонь – из той «стихийной» сюиты. Вот эта песня:

http://www.youtube.com/watch?v=31pCY1uDRzY

Брайан долго не мог добиться от музыкантов нужного результата. По его словам, с каждым дублем он все больше поражался сам себе – как он, автор песни про хорошие вибрации (см. выше), мог написать такую плохую, недобрую вещь? «По дороге домой я сказал: «Думаю, эта музыка многих может напугать». Но больше всех был напуган я сам: на следующий день я узнал, что здание по соседству со студией сгорело в ночь, когда мы записывались, а через несколько дней мне рассказали, что с момента сессии число пожаров в Лос-Анджелесе резко выросло». Кроме того, музыка вызвала у Брайана кошмары, которые преследовали его потом в течение нескольких лет.

До жути напуганный Уилсон решил, что эту музыку нельзя выпускать. А вскоре на него обрушились новые удары. Во время записи композиции Cabinessense вокалист Майк Лав (а также автор слов к старым хитам группы) поругался с Ван Дайк Парксом из-за «бессмысленного» текста песни. В результате Паркс, чувствуя чересчур накалившуюся атмосферу, отказался от участия в проекте. А в феврале 1967 года Брайан услышал по радио новый сингл Битлз – Penny Lane / Strawberry Fields Forever. Считается, что сенсационный релиз конкурентов окончательно добил несчастного Уилсона, и уже в мае было объявлено, что альбом SMiLE выпущен не будет.

С этого момента Брайан Уилсон стал постепенно отходить от дел в группе, уступив музыкальное лидерство своему младшему брату Карлу. Его физическое и психическое состояние становилось все хуже, зависимость от наркотиков прогрессировала. Он слышал голоса, и позднее в одном интервью признался, что в 1970-х провел много месяцев в своей комнате, боясь угроз, исходивших от кого-то в его голове. В деятельности группы он участвовал лишь эпизодически. Только к концу 1980-х ему удалось излечиться и даже вернуться к активной музыкальной деятельности, которая продолжается до сих пор.

Интересно, что история альбома SMiLE на этом не закончилась. В начале 2000-х Уилсону пришла в голову идея перезаписать его заново со своим аккомпанирующим составом. Диск вышел в 2004 году и имел большой успех. Конечно, голос у Уилсона уже не тот, да и его новый коллектив поет совсем не так красиво, как Бич Бойз, но музыка по-прежнему хороша.

А песня про огонь, выпущенная на этом диске под названием Mrs. O'Leary's Cow («Корова миссис О’Лири» – согласно легенде, великий чикагский пожар 1871 года начала корова, опрокинувшая керосиновую лампу), не только не вызвала никаких разрушений, но и принесла своему автору премию Grammy – как лучший рок-инструментал года. Так-то!


P.S. А это - моя любимая вещь со SMiLE:
http://www.youtube.com/watch?v=zRdyIAGVxlg

О Рави Шанкаре

Я хотел написать об этом еще неделю назад, но было много работы. 11 декабря в Сан-Диего в возрасте 92 лет скончался Рави Шанкар, самый известный индийский музыкант последнего столетия, популяризатор индийской классической музыки.

Рави Шанкар был виртуозным исполнителем на ситаре. Он гастролировал по миру с середины 1950-х годов, впервые открывая для многих людей не только индийскую музыку, но и индийскую культуру в целом.

PeterTea http://www.flickr.com/photos/petertea/4424737740/

Пик его известности пришелся на 1960-е. Именно под влиянием Рави Шанкара элементы индийской музыки появились на поп- и рок-записях, в том числе на пластинках Битлз, Бёрдз, Кинкс и многих других. Шанкар даже выступил на рок-фестивалях в Монтерее и в Вудстоке.

Рави Шанкар на Вудстоке:

http://www.youtube.com/watch?v=Uz8vZHLohJY

Рави Шанкар известен многим как друг и учитель участника Битлз Джорджа Харрисона. Харрисон сказал про него: "Он был первым человеком в моей жизни, который по-настоящему впечатлил меня, и в то же время первым, кто совсем не старался меня впечатлить". Именно Рави Шанкар сподвиг Харрисона на организацию первого благотворительного рок-концерта - Концерта для Бангладеш.

http://www.youtube.com/watch?v=psUS20Zy91o

Напоследок добавлю, что у Рави Шанкара было несколько детей, и две его дочки стали известными музыкантами: Анушка Шанкар и Нора Джонс.
Вот их совместная запись:

http://www.youtube.com/watch?v=jguri1qOCY0

Синие замшевые ботинки

Помните песню ‘Roll Over Beethoven’? Это хит 1956 года, поется от лица человека, который собирается написать на радио, чтобы там поставили его любимую новую рок-н-ролльную запись. Вот как ее поет Чак Берри:

http://www.youtube.com/watch?v=gsp4VCbVvn4

В одном из куплетов лирический герой предупреждает собеседника, чтобы тот не ступал на его синие замшевые ботинки.

dbking

Синие замшевые ботинки – всем известный образ, заимствованный Чаком из песни ‘Blue Suede Shoes’, которую годом ранее написал Карл Перкинс. Кстати, идея принадлежит не ему, а Джонни Кэшу, который и предложил Перкинсу написать песню про башмаки.
Вот как Карл поет ее:

http://www.youtube.com/watch?v=LAa8BW_sR_c

Песня, с которой я начал, вообще полна цитат и отсылок – начиная от вынесенного в название Бетховена и заканчивая Бо Дидли, одним из отцов рок-н-ролла. Она и сама послужила источником вдохновения. По строчке I need a shot of rhythm and blues соул-певец Артур Александер назвал свою песню A Shot of Rhythm and Blues (1962).

http://www.youtube.com/watch?v=vyaLX2dUTSU

Песня не стала хитом-хитом, но все же не прошла незамеченной. К примеру, молодой Джон Леннон, находясь на гастролях в Гамбурге в том же 1962-м, писалсвоей жене в Ливерпуль, чтобы она прислала ему слова этой песни (весьма расширяющий горизонты сознания факт, по-моему).

Леннон и сам мог иной раз позаимствовать строчку-другую. Его песня Run for Your Life (альбом Битлз Rubber Soul, 1965) начинается с цитаты из Baby Let’s Play House, которую в 1955-м записал Элвис Пресли. Этот факт, кажется, прошел абсолютно незамеченным кем бы то ни было. Большое ли дело? Пишут даже, что Baby Let's Play House сама по себе основана на композиции 1951 года I Want to Play House with You.

«Основывать» песню на другой, судя по всему, вообще было распространенной практикой. Многие авторы интерпретировали народные и чужие песни, меняя музыку или слова. Хороший пример – композиция Дилана Girl from the North Country (© Bob Dylan), написанная на основе народной английской баллады Scarborough Fair. Один из первых хитов Бич Бойз, Surfin’ USA (1963), написан более или менее на музыку композиции Чака Берри Sweet Little Sixteen (1958). На первом издании песни автором был записан Брайан Уилсон, основной композитор группы, но уже на втором Чак Берри был вписан в «кредиты».

В какой-то момент, примерно после выхода статьи Ролана Барта про смерть автора, раздолье закончилось. Наступила «золотая эра адвокатов», которые были призваны расследовать заимствования и плагиаты и обогащать издателей.

Особо везло издателям Чака Берри, ведь к его богатому наследию продолжали обращаться даже самые популярные авторы. Так, уже упоминавшийся Джон Леннон, сочиняя в 1969 году Come Together, почерпнул вдохновение и пару строчек из старого хита Берри You Can’t Catch Me. На него подали в суд, и в результате Леннон обязался записать в будущем несколько песен своего любимого исполнителя, что и сделал вскоре на альбоме кавер-версий Rock ’n’ Roll (1975). Его коллегу по Битлз Джорджа Харрисона примерно в то же время засудили за похожесть его главного хита My Sweet Lord на песенку He’s So Fine группы The Chiffons. На самом же деле оба произведения были вдохновлены старинным госпелом Oh Happy Day.

http://www.youtube.com/watch?v=CNQXQKflJNA

Что и требовалось доказать.

С тех пор прошло много времени. Такие вопросы научились решать проще и без громких судебных процессов. Тем более что с распространением сэмплирования использование чужой музыки стало более чем обычным. Правообладатели договариваются друг с другом, вписывают одних авторов в композиции других авторов, отчисления капают на чей нужно счет, и все довольны.
А некоторые, как музыканты Pink Floyd, у которых Эндрю Ллойд Вэббер украл рифф для «Призрака оперы», вообще отказываются судиться, а просто при удобном случае проклинают обидчика. Вот, кстати, сравнение этих риффов:

http://www.youtube.com/watch?v=0S3fpgrZ9ys

Музыка не существует в вакууме, вне контекста. Музыканты живут, постоянно слыша музыку в голове, а сочиняя, они так или иначе используют весь свой накопленный багаж, всю музыку, которую слышали когда-то. Многие, как мы видим, делают это осознанно, но и это, на мой взгляд, нормально и двигает музыкальный процесс вперед. Чего нам, собственно, и надо. Главное – чтобы песни были хорошие.

Москва, которой нет, но хотелось бы

Чего только не найдешь в московских двориках.

Последние несколько недель мы с коллегами работали над iPad-путеводителем по Москве (скоро в appstore!), и по долгу службы меня занесло в прекраснейший, на мой взгляд, район центра Москвы – на Ивановскую горку.

Этот район (примерно между Солянкой, Покровкой и бульварами), как мудро заметила автор путеводителя, часто по ошибке называют Китай-городом – потому что так называется ближайшая к нему станция метро. Настоящий Китай-город – между станцией метро и Кремлем.

Так вот. Рядом с храмом Трех Святителей на Кулишках мне встретился очень симпатичный дворик. В сети есть несколько фотографий этого дворика, которые, впрочем, всего очарования не передают:

© пользователь Яндекс.фотки elena-mg


© пользователь Panoramio krassotkin

Добавлю, что к тому моменту было темно и поэтому место выглядело особенно чарующе – увитый плющом балкон, внезапное витражное окно, посреди двора – что-то вроде старого фонтанчика, плюс романтические арки, освещенные фонарями из соседних переулков. В общем, симпатичный такой двор.

Придя домой, я стал искать в сети исторические фотографии этого места (для таких дел есть крутой сайт oldmos.ru). Недолгий поиск сообщил мне, что до революции здесь была полицейская часть – где, напоминает Википедия, в юности бывали под арестом Маяковский и Эренбург. Посмотрите на фотографии:





Мы видим просторную площадь и дом с каланчой – ничего общего с современной теснотой. Сегодня сделать такой кадр невозможно – вид с этого ракурса загораживают дома, стоящие вдоль переулков.

В минуте ходьбы от дворика – знаменитая Хитровская площадь. Сравним два снимка, сделанных примерно с разницей в сто лет:





В целом похоже – только церквей на горизонте заметно поубавилось, да и на месте рынка – стройплощадка. Но видны и другие различия – например, дома на дальней стороне площади подросли за время пути на пару этажей. Скажешь вслух – вот знаменитый дом «Утюг», в котором …., а сам думаешь – тот это дом еще или уже нет?

Восприятие городского пространства во времени – вообще сложная и странная штука. Город ведь непрерывно меняется – что-то постоянно ремонтируется, реставрируется, перестраивается, сносится, затем воссоздается, но уже с подземной парковкой, и так далее. А люди снуют вокруг, замечая эти изменения лишь боковым зрением (если они только не интересуются этим специально). Каждый новый торговый центр на третий раз заставляет почесать голову – а что же здесь было раньше? Не помню! Даже мой родной квартал на окраине города, изначально сплошь застроенный хрущевками, а теперь – лужковскими многоэтажками, уже совершенно стерся из моей памяти в своем оригинальном виде.

А моя бабушка в детстве вполне могла видеть китай-городскую стену. Стены давно нет, Китай-города, считай, тоже (а где есть – особо не погуляешь), а топоним плавно дрейфует на восток. Что сделать с этим? Ничего не сделаешь – это нормальный процесс, хоть зачастую и печальный. Город должен меняться, и если хотите знать мое мнение – законсервированные города менее привлекательны, чем те, где историческое встраивается в современную жизнь и подстраивается под современные нужды (как хотя бы вот Генуя; Москва к таким городам, увы, не относится).

Что можно и нужно делать – так это хранить память о том, что было. Не для того, чтобы жить только этим прошлым, а чтобы настоящее стало осмысленней. Интересно ли жить в Москве, которая делится на музейный «звонят колокола» Кремль, условно-старый безымянный центр и совсем безликие окраины? Может, кому-то и интересно. Но мне лично было бы куда интересней жить в Москве, где забавные названия переулков объясняются на уличных стендах, где районы центра именуются не только по станциям метро, но и по историческим названиям, и где даже на окраине можно узнать что-нибудь про деревню, которая была здесь еще 50 лет назад.

Отчего не поставить во дворе у перекрестка Хитровского и Малого Трехсвятительского переулков стенд с теми историческими фотографиями полицейской части? Такое не очень сложное дело, мне кажется, преобразило бы город.

Конечно, это довольно простые истины. Такие проекты, как oldmos.ru или «Москва, которой нет», существуют как раз для сохранения исторической памяти , и каждый желающий вроде меня может припасть к этому источнику знаний о городе и расширить свой кругозор (см., к примеру, вот этот проект «Москвы, которой нет» и «Архназдора»; см. также материал Михаила Шифрина «Москва несгоревшая» из сентябрьского номера «Вокруг Света»). Но было бы куда класснее, если бы эти знания можно было получать прямо на месте, не залезая в интернет. Так что надеюсь, что осознание важности исторической памяти однажды настигнет и городские власти.
А пока можем довольствоваться вкладом в этот процесс Администрации Президента, которая где-то год назад оградила свои здания в Китай-городе «неким символическим отсылом к Китайгородской стене». Ничего не скажешь - остроумно.

www.oldmos.ru

Укулеле before it was cool

Кто сегодня не знает про укулеле? Все знают. Укулеле – это модно! Каждая вторая московская инди-группа использует укулеле. Милый, как будто детский инструмент со странным названием как нельзя лучше соответствует трогательно-угловатой хипстерской эстетике. Дошло до того, что в Москве на Покровке даже открылась «Укулелешная» - заходи, выбирай да покупай.

Между тем еще несколько лет назад купить в Москве укулеле – особенно экономичный вариант – было не так просто.

Epoire

Что это вообще такое?
Люди на улицах, которые видят инструмент впервые, обычно формулируют этот вопрос так: «Это что, гитара такая маленькая?». Сложно ответить на этот вопрос «нет» (взгляните на картинку), но все-таки укулеле – не маленькая гитара, а самостоятельный инструмент со своей историей.

Укулеле – гавайская гитара. На Гавайи, как считается, идея подобного инструмента была завезена португальцами (англоязычная Википедия утверждает, что это вариация на португальскую «маленькую гитару» с грозным названием мачете). Дело было еще во второй половине XIX века. А в 1915 году укулеле прогремели на международной выставке в Сан-Франциско (источник звука был, конечно, в гавайском павильоне).

Звезда гавайской эстрады XX века, певица Дженоа Кеауэ, аккомпанировала себе на укулеле. Вот как инструмент используется у себя на родине:

http://www.youtube.com/watch?v=PM4ufPm3cuc

Укулеле – несложный инструмент. Настраивается оно почти как гитара, но поскольку струны всего четыре и зажимать их физически легче (ужасные мозоли на пальцах отпугивают немало начинающих гитаристов), освоение укулеле занимает не очень много времени. Помогает и «игрушечный» звук, позволяющий начинать не со «Звезды по имени Солнце», а с простых мажорных песенок – они на укулеле звучат более чем убедительно.

Благодаря своей простоте гавайская гитара быстро завоевала Соединенные Штаты, оказавшись идеальным инструментом для тогдашней танцевальной музыки, в том числе для молодого джаза.
Вот один из укулельных виртуозов 1920-х годов – Рой Смек:

http://www.youtube.com/watch?v=GPlWImn3nK8

А помните «безголосую певичку Дану Ковальчик» из «В джазе только девушки»? Она тоже играла на укулеле.

http://www.youtube.com/watch?v=-9X1cQFQPeU

Я лично познакомился с этим инструментом благодаря Битлз. Пол Маккартни еще в 1971 году записал на укулеле песню Ram On, а Джордж Харрисон просто был большим поклонником гавайской гитары (об этом много рассказывают его друзья). В сериале The Beatles Anthology есть кадры, где живые на момент начала 1990-х участники группы сидят под деревом и поют блюз под аккомпанемент двух маленьких гитарок.

http://www.youtube.com/watch?v=pWMsSqi_Jw4

Полагаю, что битлы, в свою очередь, впервые увидели укулеле в руках у звезды британского экрана 1930-1940-х годов Джорджа Формби:

http://www.youtube.com/watch?v=sfmAeijj5cM

В Британии, кстати, есть целый укулельный оркестр, в котором музыканты играют на укулеле всех возможных размеров (сопрано, концертное, тенор и баритон; да и акустический бас, в общем, в чем-то гораздо ближе к укулеле, чем к обычной гитаре):

http://www.youtube.com/watch?v=nW0ACEOEq6w

Вдохновленный своими любимыми музыкантами, я захотел купить укулеле, но московские музыкальные магазины не были так добры мне его продать. Когда 4 года назад я впервые отправился в Геную, я твердо решил найти его там. Дело было в новогодние праздники, и магазины или были закрыты, или пустовали после рождественского набега покупателей. Кажется, лишь в последний день перед отъездом в Москву я нашел желанный инструмент в магазинчике престарелых братьев Гадджеро. Я немедленно подобрал песню Ram On, затем отметился кавером на Радиохед на ютюбе, пару раз по случаю использовал укулеле на концертах своей группы, не ленясь время от времени отвечать на вопрос «Это что, гитара такая маленькая?». Моя жизнь с укулеле шла спокойно и размеренно.

Теперь все иначе. Появиться на улицах Москвы с укулеле – все равно что надеть плиссированную юбку минувшим летом. Мальчишки кричат вслед: «Стиляга!», а девушки презрительно хмыкают и отворачиваются. Хочется крикнуть - «Да у меня укулеле уже сто лет!», но разве кто-то услышит тебя за этим нескончаемым бренчанием, льющимся из каждого окна?

Но ничего, мода есть мода. А в музыке мода – это еще и хороший двигатель: благодаря и вопреки ей создается много нового и ужасно интересного. Так что не стесняйтесь - идите в ближайший музыкальный магазин и спросите продавца, есть ли у них укулеле. Ударение на третий слог.

P.S.
http://www.youtube.com/watch?v=rqqrDy-Ygjo

Как правильно... ?

На популярных видеохостингах можно найти массу всего интересного – фильмы, музыку, любимые телепередачи, оперативные (в смысле – недавно сделанные) съемки с каких-то событий, видео со смешными зверушками и ребятишками в духе «Сам себе режиссер» и многое другое. За это мы и любим популярные видеохостинги.

Один из самых интересных, на мой взгляд, видов контента – это видеоуроки. Причем не только профессиональные, но и сделанные любителями – для таких же любителей, как они.
Я, в силу своих интересов, чаще всего сталкивался с музыкальными видеоуроками.
Здесь настоящее раздолье для «народного» «образования». Образование я взял в кавычки потому, что видеоуроки чаще всего не предназначены для действительного комплексного обучения игре на инструменте (если только это не профессиональный видеокурс, а такие в бесплатном доступе найти сложно). Чаще всего они предлагают научиться играть какое-нибудь отдельное произведение, отдельную партию или даже отдельный аккорд. С точки зрения серьезной учебы это, конечно, полная ерунда. И тем не менее.

Самый распространенный инструмент на ютюбе – тот же, что и в жизни: гитара.
Часть уроков предназначена, очевидно, для самых-самых новичков. К примеру, на этом видео какая-то симпатичная девушка обучает зрителей песне Hotel California и предупреждает, чтобы они не пугались: в песне всего один аккорд с барре (это когда нужно зажать указательным пальцем все шесть струн, а остальными зажать еще что-то – сложно поначалу!), да и тот есть возможность взять попроще.
Самая популярная среди новичков гитарная партия на ютюбе – снова та же, что в жизни: вступление к Stairway to Heaven. Вот это видео, к примеру, набрало почти 1,5 млн просмотров.

http://www.youtube.com/watch?v=LmJVa1QGn1I


Это типичное любительское видео. Но видеоуроки снимают и профессионалы, причем иногда и сами авторы изучаемого! Вот, например, видеопробег гитариста Queen Брайана Мэя по главным квиновским солягам – правда, явно снятый еще для VHS:

http://www.youtube.com/watch?v=8zTWhSbU9As


Видеоурок может быть посвящен, как я уже сказал, и аккорду. Вот, например, 10-минутное (sic!) видео, посвященное т. н. «хендриксовскому аккорду» (доминантсептаккорд с увеличенной ноной):

http://www.youtube.com/watch?v=FLGzCD0qmFA


Но что я все о гитарах да о гитарах. Люди играют не только на них. Вот Пол Маккартни, например, известен своей любовью играть на всем подряд. Для сайта видеоуроков nowplayit.com Пол объяснил, как сыграть свою песню Ever Present Past на всех задействованных инструментах (в том числе на барабанах). С ютюба полную версию уже удалили, но есть трейлер, где есть по чуть-чуть от каждой стадии:

http://www.youtube.com/watch?v=W8FzxXd12Jw


Хотите играть на варгане? Пожалуйста.
На органе? Никаких проблем.
На барабане? Cделайте одолжение(это, кстати, похоже на канал профессиональных видеоуроков).

Можно найти даже такие сомнительные вещи, как любительское обучение горловому пению – искусству, требующему серьезного подхода не только в плане старательности, но и в плане здоровья. Посмотреть можно, но повторять не рекомендую.
Лучше посмотрите урок игры на ситаре. Ситара у вас, скорее всего нет, зато интересно!

http://www.youtube.com/watch?v=r7BSnuINmOg


Видеоуроки, кстати, стали предметом пародий. Вот шутливый видеоурок от College Humor:

http://www.youtube.com/watch?v=F5QCs3PnQBc

Конечно, далеко не только музыка увлекает людей. Наберите, не нажимая enter, в поисковой строке ютюба «видеоуроки», «как научиться» или «как правильно», и вам предложат много интересных вариантов – от уроков иностранных языков до как правильно целоваться. Все исключительно полезные вещи.

скриншот с сайта youtube.com

P.S.

http://www.youtube.com/watch?v=C9gABLSFEaI
Страницы: 1 | 2 | 3 | 4 | 5 | ... 9 След.